艺术具备调节人们心理节奏或心理节律的功能，如果承认这一点，我们就有必要去研究人，人们创造着社会，社会又改造和造就着人。在创作中，生、死、爱是艺术家的永恒主题，我们面对山水，要体现人对山水的情感。画家倒不是直接要画某真山真水，而是借山水体现人的精神，而各个时代的精神也就随之而来了，关键是你的把握。追求生命，用山水体现生命意识。

　　绘画语言是要不断探索的。这种探索应该从画面开始，重要的是对画面结构的把握，要做很多工作，如思维结构，对艺术的理解，激情、思维节律的流露等等。这就需要良好的文化素养(文学、诗歌、历史、戏剧、音乐、民间民俗等)，还有是对中国传统审美理想的研究，从传统审美领域中体味到一个时代的审美趋向，感受到中国绘画整体发展的思路，了解东方文化的源流和古今变化，以及政治经济与文化的联系。再就是对传统绘画与现代绘画的形式的了解。有所肯定、有所把握、有所突破。

　　黑与白的分布、线与面、点与线的流动与穿插或抽象的构成都会产生新的感受。就笔和墨，色和墨的关系来说是情与感的体现,我们不能完全按古人的程式，我们要按我们的时代、我们的个人情感而变化。在创作中，如果理清这些思路，笔墨技法就相对的不那么重要。正像何海霞先生所说：“情至所至无古人”，或大象无形、意到笔不到、似与不似。其实真正作画的时候，这些理论上的思维并不很重要，而是功夫在画外。作画时尽量随意，尽量地把自己的情绪调动到画面上来。要学会调动自己，真正体验创作的快感。

　　历史的价值不应该是画家考虑的,这是历史的过程。每个人有每个人的位置，要找到自己的位置，要追求中国画的高品位，要迎接挑战和冲击，就必须想出相应的对策。我有我的想法。追求中国画作品的不可复制性，投入其无法让人复制的真情实感，如果大家都这样做,好作品就会增多。艺术创作需要有真诚的态度，投入的态度，为艺术而献身的态度。有了这样的思维，必然会在中国画创作中找到变化，找到自己的独特语言。人的创作过程是一个不断完善的过程，人人都去这样寻找，就相当不错了。